Gloomy Eyes: cuando el videojuego abraza la poesía oscura del estilo Burtoniano
Un artículo de La Taberna de OldGamer
Hay videojuegos que buscan entretener. Otros, sorprender. Y luego existen aquellos que apuestan por algo más difícil: crear una identidad visual y emocional propia, una que permanezca contigo mucho después de haber apagado la pantalla. Gloomy Eyes pertenece a ese tercer grupo.
Es una aventura narrativa y de puzles que construye un universo íntimo y melancólico, donde cada sombra, gesto y silencio parece extraído de un cuento gótico ilustrado. Su propuesta no grita; susurra. Y sin embargo, permanece.
Un mundo donde la noche eterna es el último latido del sol
La historia de Gloomy Eyes nace desde un concepto sencillo pero potente: el sol dejó de levantarse.
En esta penumbra perpetua, los límites entre la vida y la muerte se disuelven. Los muertos regresan, no como monstruos sin alma, sino como seres atrapados entre dos realidades. Los vivos, temerosos y divididos, sobreviven bajo luces artificiales que ni siquiera iluminan sus propios prejuicios.
En medio de este escenario aparece Gloomy, un niño zombi de mirada brillante y alma silenciosa. Y junto a él, Nena, una joven humana que decide caminar hacia lo desconocido en lugar de huir de él.
La relación entre ambos no solo es el motor del juego: es su declaración de intenciones. Una fábula sobre dos seres que, supuestamente incompatibles, se encuentran en la intersección exacta entre el miedo y la esperanza.
La estética Burtoniana: poesía gótica en movimiento
Uno de los elementos más distintivos del videojuego es su estética inspirada en el imaginario de Tim Burton.
No se trata de un simple homenaje visual: Gloomy Eyes respira la misma mezcla de ternura, oscuridad y melancolía que caracteriza películas como The Nightmare Before Christmas o Corpse Bride, pero reinterpretada con personalidad propia.
Elementos visuales destacables:
Personajes de proporciones estilizadas, entre lo caricaturesco y lo trágico.
Escenarios que parecen maquetas artesanales, llenos de detalles escondidos.
Iluminación tenue que acentúa el contraste emocional entre los protagonistas.
Paletas cromáticas donde el gris, el azul nocturno y el verde enfermizo se combinan con destellos cálidos cuidadosamente dosificados.
La impresión general es la de un cuento gótico en stop-motion, pero vivo, interactivo y sorprendentemente delicado. Es raro encontrar un videojuego contemporáneo donde la dirección artística sea tan potente que parezca recordar al jugador que está observando un pequeño mundo, más que un simple escenario.
Una aventura de puzles construida como un diorama viviente
En lo jugable, Gloomy Eyes se desarrolla a través de entornos diseñados como dioramas tridimensionales. Cada nivel es una pequeña obra artesanal donde el jugador debe observar, rotar, analizar y comprender cómo funcionan sus mecanismos internos.
La clave está en alternar el control entre Gloomy y Nena, cuyas habilidades contrastan y se complementan:
Gloomy puede atravesar zonas oscuras, interactuar con elementos inaccesibles para los humanos y manipular objetos pesados.
Nena aporta movilidad, precisión y la capacidad de activar mecanismos que abren caminos.
Estos puzles no buscan frustrar, sino invitar a pensar. La estructura está diseñada para ofrecer un ritmo contemplativo, casi meditativo, donde cada interacción se siente como una pieza más dentro de un mecanismo mayor.
No hay prisa. No hay presión. Solo el placer de resolver pequeños misterios en un universo construido con mimo.
Cozy Horror: un nuevo lenguaje para el miedo
Aunque su estética pueda situarlo dentro del terror gótico, Gloomy Eyes evita cualquier intención de sobresaltar. No hay sustos, sangre ni persecuciones. Lo que propone es otra cosa: un terror amable, íntimo, atmosférico.
El llamado cozy horror, un género emergente donde lo inquietante se convierte en refugio y donde la oscuridad no es sinónimo de amenaza, sino de introspección.
En este marco, incluso los zombis dejan de ser criaturas de pánico para convertirse en víctimas del mismo mundo desolado que consumió a los vivos.
Una narrativa que apuesta por la sensibilidad
A diferencia de otras aventuras donde el argumento sirve para justificar la acción, aquí sucede lo contrario: la historia es el corazón del juego.
Cada animación, cada línea de diálogo y cada espacio del escenario están cargados de intención. La narrativa no se apresura; se despliega como un cuento nocturno que se disfruta mejor sin interrupciones. Y su temática —la convivencia entre mundos opuestos, la empatía y la aceptación— aporta una lectura más profunda de lo que a simple vista parece un relato de fantasía.
Una experiencia que reivindica el videojuego como arte
En un momento donde muchos títulos buscan ser más grandes, más largos o más agresivos, Gloomy Eyes ofrece algo radicalmente diferente: intimidad.
No pretende competir en cantidad, sino en calidad sensorial. No quiere impresionar con cifras, sino con evocación. Es un juego que invita a ser contemplado, escuchado y sentido.
Para quienes crecimos en una época donde los videojuegos eran pequeños mundos mágicos —no enormes parques temáticos— resulta refrescante encontrar una obra que abraza esa esencia y la eleva con sensibilidad artística.
Conclusión: un cuento gótico imprescindible para quienes aman las experiencias memorables
Gloomy Eyes no es un título masivo ni pretende serlo. Es un videojuego para quienes aprecian:
la artesanía visual,
la narrativa cuidadosamente hilada,
los puzles que premian la observación,
y la estética gótica inspirada en los mejores cuentos oscuros.
Un juego que demuestra que los estudios independientes siguen siendo capaces de marcar tendencia y de recordarnos que la belleza también puede encontrarse en las sombras.
La Taberna de OldGamer lo tiene claro: Gloomy Eyes es una de las propuestas más especiales y artísticas del año.
Neon Inferno: el regreso del “modern retro” que redefine el run-and-gun cyberpunk
Por La Taberna de OldGamer – Artículo con acceso anticipado proporcionado por Retroware
Un infierno de neón que brilla con luz propia
Hay videojuegos que desde el primer frame te hacen sentir que estás ante algo especial. Neon Inferno, lo nuevo de Zenovia Interactive y publicado por Retroware, es uno de ellos: un homenaje vibrante al pixel art clásico combinado con una dirección artística, narrativa y jugable que mira de frente al futuro.
Gracias a la confianza de Retroware y Francis DiPersio, hemos podido jugar a Neon Inferno antes de su lanzamiento oficial, y la experiencia nos ha permitido comprobar que estamos ante uno de los títulos indie más potentes y estilizados del año.
Zenovia Interactive: talento internacional con visión propia
Neon Inferno es el segundo título de Zenovia Interactive, un estudio con sede en Nueva York fundado en 2019 por Sri Kankanahalli. Su primer lanzamiento, Steel Assault (2021), ya demostró una maestría poco común en la acción 2D.
El equipo de Zenovia trabaja de forma totalmente remota y cuenta con desarrolladores procedentes de múltiples países y culturas, lo que aporta una enorme diversidad creativa al proyecto. Las influencias se notan:
dirección de arte inspirada en la era 32-bit,
enfoque arcade heredado de los grandes run-and-gun noventeros,
narrativa con aroma noir y ambientación cyberpunk.
Con Neon Inferno, el estudio da un salto claro en ambición, calidad visual y complejidad jugable.
Acción 2D con dos planos de disparo y un ADN arcade impecable
El núcleo jugable de Neon Inferno es tan elegante como frenético. Encarnamos a Angelo Morano y Mariana Vitti, dos asesinos al servicio de “The Family”, un sindicato criminal que lucha por el control de una Nueva York futurista dominada por mafias, violencia y corrupción.
La gran innovación del juego es su sistema de doble plano de disparo, que permite alternar entre enemigos cercanos y lejanos con una fluidez extraordinaria. A esto se añaden mecánicas como:
desvío de proyectiles,
“Bullet Time” defensivo,
persecuciones en moto,
secciones tipo gallery-shooter,
jefes con patrones memorables,
y un cooperativo local a dos jugadores ideal para el sofá.
Es una experiencia arcade moderna: desafiante, técnica, espectacular y adictiva.
Arte y música: un mundo pixelado que se siente vivo
El apartado visual es uno de los grandes pilares del juego. El legendario ilustrador japonés Tsukasa Jun (司淳) —conocido por su trabajo con Psikyo— firma unos personajes llenos de fuerza y personalidad.
La estética combina pixel art 32-bit con:
uso magistral de luces y neones,
animaciones fluidas,
fondos densos llenos de vida,
y un estilo cinematográfico perfecto para la ambientación.
A esto se suma una banda sonora de Joseph Bailey y Gonzalo Varela, que mezcla sintetizadores industriales, guitarras y tonos dramáticos para reforzar la tensión constante.
Cooperativo, modos clásicos y pura rejugabilidad
Neon Inferno no solo brilla por su acción, sino por su rejugabilidad. Incluye:
modo cooperativo local a dos,
modo Arcade 1CC para los puristas,
múltiples dificultades,
y progresión mediante mejoras entre misiones.
Es un juego pensado para los jugadores que disfrutan dominando sistemas, repitiendo niveles y buscando la partida perfecta.
Lanzamiento y plataformas
PC (Steam) – 19 de noviembre de 2025
PS5 | PS4 | Xbox Series | Xbox One | Nintendo Switch – 20 de noviembre de 2025
Disponible con traducción completa al español de España y LATAM y demo en Steam y Xbox.
Agradecimiento especial
Desde La Taberna de OldGamer, queremos expresar un agradecimiento sincero y profundo a: ✅ Retroware por confiar en nosotros ✅ Francis DiPersio, por la oportunidad de acceder al juego antes de su lanzamiento
Su apoyo nos ha permitido analizar, disfrutar y conocer a fondo este proyecto, y compartir con la comunidad una visión privilegiada sobre lo que promete ser uno de los grandes títulos indie del año.
Conclusión: un homenaje al pasado que impulsa el futuro
Neon Inferno es una obra cuidada hasta el último pixel: ✅ frenética en lo jugable, ✅ poderosa en lo visual, ✅ impecable en su diseño, ✅ y profundamente respetuosa con el legado arcade.
Si amas el run-and-gun, el cyberpunk o simplemente los juegos con alma, Neon Inferno es una parada obligatoria en tu calendario.
Fecha: 19–20 de noviembre de 2025 Recomendación: añádelo ya a tu lista de deseados.
PlayStation: la última consola clásica que se niega a caer
Por La Taberna de OldGamer
Cuando todos cambiaron, Sony decidió resistir
En un mercado que se mueve a la velocidad del streaming, donde las consolas pierden su forma física y las suscripciones mandan, PlayStation se ha convertido en una rareza… una reliquia viva. Y, paradójicamente, en esa resistencia está su poder.
Mientras Xbox se diluye entre servicios y Nintendo se reinventa como híbrido portátil, Sony mantiene la última consola clásica de sobremesa. Una máquina poderosa, cerrada, tangible… casi un símbolo de rebeldía tecnológica.
En una era donde todo es efímero, PlayStation 5 es la última roca en medio de un mar digital.
La historia de una superioridad silenciosa
La historia de PlayStation es la historia de una marca que aprendió a ganar con paciencia.
PS1 venció a la N64 no solo por potencia, sino por visión: fue la primera consola que trató a los videojuegos como arte y no como juguetes.
PS2, con más de 155 millones de unidades vendidas, se convirtió en el estándar de una generación entera.
PS3 empezó en desventaja, pero Sony no se rindió: su catálogo terminó por superar al de Xbox 360.
PS4 arrasó sin competencia, estableciendo una hegemonía clara.
Y PS5, en pleno auge del juego en la nube, se mantiene firme como la única consola de gama alta “pura” que sobrevive.
A lo largo de tres décadas, Sony ha jugado a largo plazo. Donde otros cambian de rumbo, PlayStation perfecciona su camino.
Nintendo, Xbox y Sega: tres caminos, una retirada
La industria del videojuego ya no es un duelo de consolas, sino de modelos de negocio. Y ahí es donde se nota quién resistió al cambio… y quién cedió.
Nintendo abrazó la innovación con Switch, una genialidad que prioriza la accesibilidad sobre la potencia. Funciona, sí, pero renunció a competir en la gama alta.
Microsoft apostó por Game Pass y por la expansión multiplataforma. Una jugada brillante en lo empresarial… pero que diluye la identidad de Xbox. ¿Sigue siendo una consola o es ya solo una aplicación más?
Y Sega, pionera y valiente, cayó con Dreamcast, dejando atrás el hardware para siempre.
En esa línea de tiempo, solo queda una marca que no se rindió a la evolución forzada: PlayStation.
La estrategia del trono: evolución sin perder el alma
Sony comprendió algo que muchos olvidaron: la nostalgia es poder cuando se combina con calidad. No se trata de resistirse al futuro, sino de avanzar sin perder la esencia.
PlayStation apostó por la continuidad. Cada generación refina la anterior. Su lenguaje visual, su mando, su filosofía narrativa… todo está diseñado para recordarte que sigues jugando en casa.
Mientras otros prometen universos infinitos en la nube, Sony entrega experiencias finitas pero memorables. No necesitas una conexión constante, solo un buen mando, una historia sólida y un televisor encendido.
Ese es el lujo moderno: jugar sin depender de nada más.
Un modelo rentable en un mundo cambiante
Lo irónico es que, mientras muchos anuncian el “fin de las consolas”, PlayStation sigue marcando récords financieros.
Su división de videojuegos genera más ingresos que Microsoft Gaming y Nintendo combinados. Y lo hace sin juegos en la nube, sin consolas baratas y sin renunciar a su ADN.
El secreto no está en los números, sino en la percepción de valor. Los jugadores confían en que cada juego de PlayStation será una experiencia premium. Y esa confianza, en el siglo XXI, vale más que cualquier innovación pasajera.
PS5: la última fortaleza del jugador clásico
La PlayStation 5 no es solo una consola. Es un manifiesto. Una declaración de principios que dice: “No todo necesita reinventarse.”
En un mundo donde las compañías persiguen tendencias, Sony protege una tradición: juegos exclusivos, hardware de primera y una conexión directa entre el jugador y la pantalla.
“Mientras la industria se transforma, PlayStation sigue siendo el punto fijo que nos recuerda por qué empezamos a jugar.”
Y tal vez por eso sigue ganando.
desde la taberna
Aquí, entre cervezas, cables HDMI y discos rayados, lo decimos sin tapujos: PlayStation no ganó por ser la más potente, sino por ser la más constante.
Sega cayó, Nintendo mutó, Xbox se diluyó… Y ahí está Sony, firme, con su mando en la mesa, esperando el siguiente round.
Porque mientras el resto cambió para sobrevivir, PlayStation simplemente siguió siendo PlayStation.
The Sinking Forest: cuando el bosque te devuelve la mirada
Publicado el 21 de octubre de 2025
Un bosque que respira miedo
Hay juegos que gritan terror. The Sinking Forest, en cambio, lo susurra.
Este proyecto independiente —publicado por Dojo System y Tesura Games— nos sumerge en una atmósfera donde el miedo no nace del sobresalto, sino de la duda, del silencio y de la sensación constante de que algo antiguo nos observa entre los árboles.
Ambientado en el Japón rural, el título nos invita a adentrarnos en un bosque que parece vivo, un lugar donde el folclore local se mezcla con los delirios de la mente humana. El jugador encarna a un joven que busca a su hermana desaparecida, Sayuri, solo para descubrir que el bosque devora no solo cuerpos, sino recuerdos.
El verdadero enemigo es la percepción
A diferencia de los survival horror convencionales, The Sinking Forest evita los clichés del género. No hay un arsenal que empuñar ni monstruos que derrotar a tiros.
El verdadero desafío es enfrentar la confusión, el aislamiento y la memoria fragmentada.
Desarrollado con Unreal Engine 5, el juego utiliza la iluminación global y la simulación ambiental para crear un entorno casi tangible. Cada ráfaga de viento y cada crujido en la madera parecen advertirnos de que no somos bienvenidos.
Esa sensación de opresión constante lo acerca más al terror existencial de obras como Silent Hill 2 o Fatal Frame, donde la mente del protagonista es tanto escenario como amenaza.
Folclore japonés y horror moderno
The Sinking Forest hunde sus raíces en el folclore japonés, pero lo hace con un respeto casi poético. No hay yōkai caricaturescos ni clichés orientales: hay presencias, sombras y una naturaleza que parece juzgar.
El bosque actúa como un personaje más, reflejo del duelo y la culpa del protagonista.
Es en ese simbolismo donde el título alcanza su madurez: el horror no proviene de lo sobrenatural, sino de lo que callamos.
Un lanzamiento físico con alma
El proyecto ha llamado la atención por su propuesta artística, y Dojo System junto a Tesura Games han apostado por llevarlo al formato físico para PlayStation 5, con lanzamiento fechado para el 31 de octubre de 2025.
Una fecha simbólica para un título que entiende el miedo como un arte y no como un susto.
La edición física incluirá arte exclusivo y subtítulos en múltiples idiomas, entre ellos español, inglés y japonés.
Un bosque, un creador español
Detrás de esta experiencia se encuentra TonyDevGame, un desarrollador español en solitario que ha creado The Sinking Forest prácticamente desde cero.
Desde el diseño artístico hasta la programación, cada textura, sonido y animación provienen de una sola mente creativa.
El logro es aún más admirable al considerar que todo ha sido desarrollado sin el respaldo de un gran estudio. The Sinking Forest demuestra que el talento independiente español sigue vivo y dispuesto a competir con las producciones internacionales.
TonyDevGame no solo firma un videojuego, sino un testimonio de cómo la pasión, la disciplina y la visión pueden convertir una idea íntima en una experiencia universal.
Opinión desde La Taberna de OldGamer
En una industria saturada de títulos que buscan impactar con gráficos o explosiones, The Sinking Forest propone lo contrario: mirar hacia adentro.
Es un recordatorio de que el verdadero terror no está en los monstruos, sino en lo que no queremos aceptar de nosotros mismos.
Desde La Taberna de OldGamer aplaudimos la valentía de TonyDevGame, Dojo System y Tesura Games por apostar por un proyecto que prioriza el alma sobre el ruido.
Porque a veces, el camino más oscuro es el que lleva a los juegos más memorables.
ASUS ROG Xbox Ally X: la falsa “Xbox portátil” que desató el debate
Cómo una estrategia de marketing generó confusión y dejó al descubierto los problemas del nuevo dispositivo
La confusión del público
El lanzamiento de la ASUS ROG Xbox Ally X fue recibido con entusiasmo… y con mucha confusión.
Una campaña de marketing en colaboración con Xbox y Game Pass llevó a muchos jugadores a creer que se trataba de la primera consola portátil de Microsoft, un sueño largamente esperado por la comunidad.
Sin embargo, la realidad es muy distinta.
La ROG Xbox Ally X no es una consola Xbox, sino un PC portátil con Windows 11, desarrollado por ASUS. Aunque puede ejecutar Game Pass, Steam o Epic Games Store, la experiencia es muy diferente a la de una consola tradicional.
Lo que comenzó como una brillante estrategia de marketing terminó por volverse en su contra: los usuarios se sintieron confundidos y, en algunos casos, decepcionados.
Críticas principales del hardware y la experiencia
1. Windows 11: potencia… pero poca comodidad
El sistema operativo es una de las mayores fuentes de crítica.
Al funcionar con Windows 11, el dispositivo ofrece libertad total para instalar juegos y aplicaciones, pero esa misma libertad se traduce en una experiencia más compleja.
Usuarios y analistas coinciden en que el sistema no está pensado para un formato portátil:
“Es potente, cómodo y silencioso, pero se nota torpe; Windows no está hecho para portátiles de este tipo.” — usuario en Reddit
“Si esperas una experiencia Xbox completa, te vas a decepcionar.” — PC Gamer
La interfaz requiere menús, actualizaciones y configuraciones típicas de un PC, lo que aleja la sensación de “encender y jugar” que muchos asociaban a Xbox.
2. Precio alto para lo que ofrece
El precio —alrededor de 999 € en su versión más completa— ha generado quejas por parte de los consumidores.
Aunque el hardware es potente, muchos cuestionan si realmente vale lo que cuesta, sobre todo frente a alternativas como la Steam Deck OLED o la Lenovo Legion Go, con precios más contenidos.
“¿999 € y sin pantalla OLED? Difícil de justificar.” — Tom’s Guide
La percepción general es que ASUS ha posicionado el dispositivo como un producto “premium”, pero sin suficientes elementos diferenciadores.
3. Pantalla: buena, pero no a la altura del precio
A pesar de contar con una pantalla Full HD de 120 Hz, la comunidad esperaba un salto a tecnología OLED, especialmente tratándose de un producto que se presenta como tope de gama.
“Con el precio que tiene, duele que no incluya una pantalla OLED.” — Tom’s Guide
La competencia, especialmente Valve con la Steam Deck OLED, ha elevado las expectativas visuales en este segmento.
4. Peso, ergonomía y batería
Los primeros análisis coinciden en que el dispositivo es cómodo, pero pesado.
Algunos jugadores mencionan fatiga en brazos tras sesiones largas, y la autonomía —rondando las 3 horas en juegos exigentes— se percibe como insuficiente.
“Después de 20 minutos de juego, ya notaba el peso en los antebrazos.” — Polygon
“La duración de la batería no está a la altura del precio.” — Tom’s Guide
5. Marketing confuso y expectativas frustradas
Quizás la crítica más dura no tiene que ver con el hardware, sino con la comunicación.
La campaña, centrada en la marca Xbox y Game Pass, llevó a muchos a pensar que se trataba de una consola oficial de Microsoft.
“Esto no es una Xbox, Microsoft.” — PC Gamer
Al final, el dispositivo ha sido víctima de su propio marketing: la colaboración con Xbox, que debía impulsar las ventas, ha terminado generando confusión entre los consumidores.
Lo que todo esto revela sobre la estrategia de Microsoft
Detrás de la polémica se esconde una realidad interesante: Microsoft ya no compite por vender consolas, sino por ocupar todos los espacios posibles donde se pueda jugar.
Con Game Pass disponible en PC, móviles, televisores y ahora portátiles de terceros, Xbox se transforma en un ecosistema de servicios, más que en una marca de hardware.
La ROG Xbox Ally X es el ejemplo perfecto de esta visión: no es “una Xbox”, pero funciona como una extensión natural del ecosistema Xbox.
ASUS, por su parte, se beneficia del apoyo de Microsoft, pero carga con el peso de unas expectativas que quizás nunca quiso prometer.
🎙️ Opinión desde
La Taberna de OldGamer
“La ROG Xbox Ally X no es un fracaso, pero sí un recordatorio de que la comunicación importa tanto como la potencia.”
El dispositivo tiene méritos: es potente, versátil y representa el futuro del juego portátil en PC.
Pero su lanzamiento demuestra que la marca Xbox pesa más que su hardware, y que los jugadores siguen asociándola a consolas, no a servicios.
ASUS y Microsoft han abierto una puerta interesante, pero también una conversación sobre el rumbo del gaming moderno: ¿preferimos dispositivos abiertos y complejos, o consolas simples y directas?
Conclusión
La ASUS ROG Xbox Ally X no es la “Xbox portátil” que muchos esperaban, pero sí el reflejo más claro de hacia dónde se dirige la marca : una experiencia sin fronteras ni plataformas fijas.
Sin embargo, el mensaje se perdió entre el marketing y la expectativa.
El dispositivo cumple como PC gamer portátil, pero no como sucesora espiritual de una consola Xbox,
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